OVER THE GOLDEN GATE, 1960-1990, TAJAN ARTSTUDIO
Tajan ArtStudio présente Over the Golden gate 1960-1990, l’exposition dédiée à L’École de San Francisco.
Nous avons le plaisir de présenter, dans le cadre de Tajan ArtStudio, une exposition-vente inédite en Europe intitulée « Over the Golden Gate, 1960-1990 ». L’École de San Francisco ou Mouvement Figuratif de la Baie de San Francisco, aussi connu sous le nom Bay Area Figurative School, Bay Area Figurative Art et Bay Area Figuration, est un mouvement artistique du XXe siècle dont font partie plusieurs d’artistes vivants dans le secteur de la Baie de San Francisco. Il se caractérise par un abandon de l’expressionnisme abstrait et d’un retour à la figuration dans la peinture.
Nous aurons le plaisir de présenter pendant une longue semaine les œuvres de Robert Arneson, Joan Brown, Bruce Conner, Roy de Forest, Peter Saul, Mark di Suvero, Wayne Thiebaud ou encore William T. Wiley. Cet évènement se fait l’écho de l’exposition « The Beat Generation » au Centre Pompidou et tentera d’ajouter un élément visuel fort à une approche plus conceptuelle. Tajan mettra l’accent sur la visibilité et la sensibilisation du public à cet important mouvement artistique américain, en France et en Europe.
Les Années d’Études, 1957 – 1977
Le lien qui unit le groupe d’artistes issus de la région de San Francisco dans les années 60 va au-delà de la proximité régionale. L’interconnectivité entre leurs formations et les postes d’enseignants qu’ils occuperont dans les programmes universitaires locaux, en plus de leurs relations personnelles, leur ont permis de rester en contact tout au long de leurs carrières respectives. Bien qu’ils ne soient pas tous de la même génération, on peut dire que les artistes présentés ici sont arrivés à maturité en raison de – ou pour aller à l’encontre de – la centralisation du monde de l’art autour de la ville de New-York qui prévalait à l’époque. Indissociable de la première « Contemporary Bay Area Figurative Painting » au Musée d’Oakland en 1957 et plus tard de l’exposition « Funk » montée par e Berkeley Art Museum, l’Université de Californie en 1967, l’art « made in California » s’est progressivement distingué et est devenu plus transgressif, s’inventant une identité, un individualisme qui continue encore à définir la région. On ne peut le comprendre clairement qu’en comparant les œuvres d’artistes tels que Brown, Wiley, De Forest, Arneson, etc., qui, en dépit de travailler en étroite collaboration les uns avec les autres tout au long de leur carrière, ont néanmoins développé des styles visuels radicalement différents. L’évolution des influences qu’ils ont partagées lors de leurs études à l’origine de leurs arts respectif en est un bon exemple. Issu de la finalité d’une transmission d’un héritage d’abstraction des écoles d’art de la région et du milieu en plein développement de la nouvelle peinture figurative ainsi que de l’évolution des approches de la sculpture sur argile, etc., dans la région de la baie, le travail qu’ils ont effectué durant cette période de transition montre leur liberté en termes d’approche de la création artistique. Ici, nous pouvons voir les assertions des préférences personnelles et encore plus vivement, les parallèles entre les styles et les approches : une attitude de laissez-faire en termes de medium, une propension à utiliser des matériaux de récupération, un intérêt égal à exploiter des lieux courants comme source d’inspiration et à injecter une dose d’expérience personnelle et de récit – un dénominateur commun pour la plupart des membres groupe tout au long de leur carrière – sont clairement présents. Au milieu des années 70, quand les six artistes ont atteint un niveau de maturité qui a plus tard permis de définir leur travail, la persistance de ces premiers styles et influences reste bien visible.
Le Funk de la Région de la Baie
Le terme « Funk » introduit par Peter Selz et codifié par une exposition du même nom à Berkeley en 1967, définit des artistes comme Joan Brown, Roy DeForest, Bill Geiss, et Robert Hudson. Le Funk, en tant que mouvement parallèle au Pop Art sur la côte Est, se consacrait également à la banalité des choses. Mais le Funk n’est pas du tout détaché comme peut l’être le « cool » du Pop. Le Funk est sale, viscéral, et souvent sexuellement connoté. On ne retrouve rien des « Boîtes de savon Brillo » de Warhol dans de le « Pei-Pee » d’Arneson de 1965 par exemple, une caisse artisanale de 24 bouteilles en céramique ; au contraire, l’émail bleu-vert brillant des bouteilles associé à la couleur dorée des bouchons et la qualité de l’argile de la caisse fabriqué à la main lui donne assurément un côté tactile et même vivant. En 1965, « Klick », Arneson créé un appareil photo avec un objectif en globe oculaire et une vulve pour viseur, alors que « Hydrox », 1966, représente le fameux cookie éponyme de près de 60 cm de diamètre peint de couleurs expressionnistes et recouvert d’un émail brillant et doté de détails ajoutés à la main à la fois réalistes et abstraits (et en bonus, Arneson a ajouté un intérieur de biscuits Oreo à l’échelle en relief).
Catalogue en ligne
Remerciements :
George Adams Gallery, New York et Paula Cooper Gallery, New York
Vernissage de l’exposition :
Jeudi 20 Octobre 2016, 18h-22h
37 rue des Mathurins 75008 paris – Tél. +33 1 53 30 30 30 – [email protected]
Intermèdes musicaux par Christie Julien et Stéphanie-Marie Degand « So French »
Dates et horaires de l’exposition :
Du lundi au vendredi 10h-18h
Samedi et dimanche 11h-18h
37 rue des Mathurins 75008 paris